Ори Каплан
(фото с официального сайта)

17.12.01
ОТЧЕТ ОБ УСЛЫШАННОМ

ORI KAPLAN PERCUSSION ENSEMBLE
"GONGOL"
Knitting Factory 2001

Не правда ли, слова percussion ensemble порождают зрительный образ бесконечной, уходящей за за горизонт капеллы мастеров, склонившихся в сосредоточенной молотьбе над разнообразными установками ? Перкуссионный ансамбль Ори Каплана представляет собой квартет, где штатных перкуссионистов всего двое. Это Джефф Мэнн известный, главным образом как постоянный соратник Каплана и Сьюзи Ибарра, которая несмотря на молодость является наиболее маститым участником ансамбля. С середины 90-х она играет в обществе Дэвида С. Уэйра, одного из самых громокипящих джазменов современности. Выпустила несколько сольных дисков, заслуживших весьма высокую оценку. Ее называют наследницей Рашида Али и Эндрю Кирилле. Среди джазовых ударников-перкуссионистов она сегодня занимает лидирующую позицию сразу в двух категориях: среди молодых исполнителей и среди женщин.
На Gongol Мэнн и Ибарра формируют очертания саунда, его pattern. И хотя на альбомном буклете для каждого трека заботливо расписано распределение перкуссионистов по инструментам , конечный результат их труда представляется слишком нераздельным, чтобы слушатель-непрофессионал мог трезво оценить вклад каждого. Пусть и с этой оговоркой, но всё же поделюсь впечатлением: кажется, что Ибарра управляет архитектоникой действа, порой придавая происходящему величие буддийского ритуала, тогда как Джефф Мэнн больше тяготеет отделочным работам - причем, достаточно разнообразным; так на Prayer For Ramon(#7) он берется за мандолину, фактически превращая ее в перкусионный инструмент. Сходные задачи приходится решать и третьему участнику коллектива - клавишнику Эндрю Бимки. Его пианизм отнюдь не чужд перкуссионизма. Пианино Бимки с мощным, упругим и глубоким звучанием заполняет - в той мере в какой это требуется - нишу отсутствующего баса и, что самое важное, убедительно оппонирует саксофону лидера группы, Ори Каплана.
Глава перкуссионного ансамбля родился в Израиле в 1969-м. В начале 90-х перебрался в Штаты, джазовое образование получил в Беркли. Играл с Уильямом Паркером и Генри Треджиллом, проявлял интерес к джазовому авангарду, тяготел к пост-бопу, а также сотрудничал с альтернативной рок-группой Firewater(в пункте Roots and Infleuences для этой команды энциклопедист из AllMusicGuide указывает одну-единственную персону: Том Уэйтс). В 1997-м Ори Каплан выпустил первый сольный диск Realms и сразу попал в поле зрения джазовой общественности. Вердикт Кука-Мортона звучит так: "Он резок, как Орнетт, но при этом предпочитает более мягкие, гармоничные решения. Определенно заслуживает пристального внимания". В 2001-м году выходят сразу два сольных диска Каплана; а также вместе с группой Firewater он издает альбом Psychofarmacologia. Если учесть, что первый из сольных релизов этого года именуется Delirium, а стартовая композиция обозреваемого диска носит название Crisis Dream, можно заподозрить определенный психиатрический акцент(аспект?) в творчестве Ори Каплана. Пожалуй, эти подозрения небеспочвенны. В музыке Каплана - манящее сияние обсессии. Каждый трек на Gongol'е - это четко выраженная тема, которая неотступно преследует автора и которую он должен в полной мере явить, прожить, избыть - иного просто не дано. Если бы мне довелось классифицировать звучание этого израильско-американского саксофониста на некой гипотетической "дегустации вслепую", я не усмотрел бы в его музыке повышенного содержания клезмера или блюза, а пошел по такому пути: белый джаз: европейский: пожалуй даже - восточноевропейский: играет чех или поляк: И пока меня, уличенного в профнепригодности выводили под белы руки из зала анонимного прослушивания, я успел бы выкрикнуть следующее.
Господа! Представленный нашему вниманию диск обладает странной особенностью. Его четные треки это - очень хорошая музыка. Но в мире ежегодно записывается сотни часов подобной музыки - на наше, конечно же счастье. А вот нечетные композиции представленного диска это не просто очень хорошая музыка - это новая музыка, то есть нечто неслыханное. Есть все основания считать, что автор находится на подъеме и в самом скором времени явит нашему вниманию альбом, состоящих из одних только нечетных композиций.
И уже когда двери высокого собрания захлопнулись за мной, я пожалел бы что не успел добавить: четная(#8), заглавная и волшебная композиция должна в виде исключения считаться нечетной.
Впрочем, возможны и другие исключения:

ANDREW CYRILLE/ MARK DRESSER/ MARTY EHRLICH "C/D/E" 2001 Jazz Magnet

Три знаменитых джазмена - три незаурядных солиста образовали супергруппу и записали чрезвычайной силы диск, назвав его без затей, по первым буквам своих фамилий: С/D/E (Cyrille/Dresser/Ehrlich). При иных обстоятельствах релиз мог называться B/C/D/E: Участники трио очень хотели видеть в своих рядах тромбониста Билли Брэдфорда, но контрактные обязательства не позволили ему присоединиться к проекту. И тогда Дрессер написал посвящение For Bradford(#4); адресация к отсутствующему другу присутствует и в других композициях. Так, что C/D/E - это своего рода джазовый Wish You Were Here. Из 10 композиций, 9 написаны участниками, а одна, возможно, самая трогательная на диске - Aeolus(#2), принадлежит перу Томаса Шопена. Этот одаренный музыкант сгорел в 40 лет от лейкемии. Горло перехватывает, когда звучит эолова флейта Эрлиха перенявшая эстафету у флейты Шопена. Вообще, Марти Эрлиху принадлежит на С/D/E: нет, не лидерство, лидера тут не может быть определению: скажем аккуратнее: инициатива. Фирменный звук Эрлиха (плотный, насыщенный, теплый) следует помножить на мультинструментальность(не считая упомянутой флейты - альт- и сопрано- саксофоны и кларнет), и еще - на ширину интонационного диапазона - от проникновенного Aeolus'а до ураганного C/D/E(#7). Но Эрлих - только один из трех гальванических полюсов, меж которыми циркулирует музыка. Саунд группы немыслим без забористого, резкого контрабаса Марка Дрессера. Что же до ударных, то всем, мало-мальски знакомым с манерой Эндрю Кирилле ясно, что на C/D/E он успешно сдеживает природную экспрессию. При этом его "коллективная" работа беупречна, а не столь многочисленные соло - все равно сдержанные! - заставляют жадно вслушиваться, изыскивая дополнительные ресурсы внимания которое, казалось бы, и так поглощено без остатка. C/D/E - это работа зрелых мужчин, которые постигли все значимые секреты и утратили все бесплодные иллюзии. Это творение музыкантов, которые пребывают в зените профессиональных возможностей и знают, как распорядиться тем, что им отмерено судьбой. Аннотацию к диску завершает фраза: "This is music of deep sentiments without sentimentality". Другими словами: это музыка душевная - но не душещипательная.

NILS PETER MOLVAER "KHMER" 2001 [Limited Edition]

Если встать на ту точку зрения, что лэйбл ЕСM - крайне консервативная организация, то диск норжежского трубача Нильса-Петера Молвьяера Khmer следует признать революционным. При записи Khmer'a для звукоизвлечения использовались устройства, более характерные для какого-нибудь драм-н-бейса, чем для старого доброго камерного джаза, на котором, якобы, незыблемо зиждится ECM. Я эту систему мнений, в общем, не разделяю, но ее право на существование сомнений не вызывает: Khmer - первый ECM'овский релиз, в жанровом определении которого присутствуют такие термины как трип-хоп, техно, индастриал.
С другой стороны, если взять работу Молвьяера 15-летней давности - в составе группы Masqualero(на ECM вышло три диска) - увидим, что идеологически да и композиционно не так уж многое изменилось: те же мрачные саундскейпы, струящиеся ритмы, пассионарно-печальная труба.
К 1998 году музыка Молвьяера стала проще, но выразительнее. Такова, товарищи, волшебная сила электроники.
В команде, записывавшей Khmer вторым номером после Молвьяера значится гитарист Эйвинд Аарсет. Впрочем, в царстве сэмплеров, тритментов и гэджетов, он уже не вполне гитарист, равно как и Молвьяер не вполне трубач; тут уж, как говорится, нет ни эллина ни иудея.
Любопытно, что в том же 1998-м году вышел другой диск, Electronique Noir, где уже Аарсет значился первым номером, а Молвьяер вторым. Эти диски музыкально весьма близки и есть ощущение что работа над ними велась не просто параллельно, но даже, прости господи, на одной элементной базе.
Думаю, по количеству прослушиваний Electronique Noir занимал у меня в прошлом году одно из первых мест; Кук-Мортон очень точно определили этот диск как по-хорошему заразительный ("wonderfully infectious").
Так вот, Khmer cначала произвел на меня очень яркое впечатление, но довольно быстро приелся: сказалась прошлогодняя аарсетовская инфекция. Но через некоторое время я этот болезненный эффект преодолел и у меня открылось второе дыхание. Чего и вам желаю.
Вы спрашиваете: а почему собственно, Кхмер? Почему обложка с руинами Ангкор-Вата? Что это, world music или как?
Или как, товарищи, или как. Я, правда, в камбоджийской музыке не разбираюсь - разве что вьетнамской немного знаком. Нельзя исключить, что в заглавной композиции Khmer (#1) есть что-то кхмерское - скажем, ритмическая линия третьего барабана. А в следующей композиции Tlon(#2), возможно, предпринята попытка реконструкции музыкальных традиций удивительного народа , чей язык не содержит существительных, а математика не признает понятий "больше" - "меньше":
И все-таки, по поводу мировой музыки - это, товарищи, не сюда. Это к следующему исполнителю.

JOCELYN POOK "UNTOLD THINGS" 2001 RealWorld

Джоселин Пук получила академическое образование, но впоследствии сосредоточилась на современной музыке, что бы это не означало:
А означало это сотрудничество с миром постпанка в лице Ник Кейва, Пи Джей Харви; сотрудничество с миром кино в лице Дерека Джармена и Стэнли Кубрика и сотрудничество с реальным миром Питера Гейбриэла. На его лэйбле 1999-м она издала дебютный альбом Flood. А в этом году вышла вторая сольная пластинка, "Untold Things".
Атмосферное звучание. Изысканные аранжировки с выраженным преобладанием струнных(скрипачка же!). Активное использование даров мировой музыки - как в консервированном(pardon, засэмплированном) виде, так и живьем. Женский вокал - весьма убедительный, глубоко проникающий; певицу зовут Мелани Пепперхейм. "Untold Things" живо напоминают - с одной стороны Dead Can Dance, This Mortal Coil, Cocteau Twins, Miranda Sex Garden, с другой стороны - Afro-Celt Sound System, Vox, Майкла Брука, полиэтнические проекты "Kronos Quartet'а" и в первую очередь "Kronos Сaravan". Надо оговориться, что "кроносы" обращались со своим этническим материалом куда деликатнее. Для Джоселин world-ингредиенты - всего лишь сырье. Тем не менее, работа выполнена талантливо и стильно. Говорю это скрепя сердце, поскольку стиль мне неблизок; я вообще отношусь с предубеждением к эклектике. А потому потирая руки добавлю: все равно лучшие вещи на диске - те, что изготовлены без привлечения realworld'овского workshop'а . В них дышат почва и судьба, в них проглядывает семья и школа. В них пылает католический экстаз Перголези и переливается хрустальный мир прерафаэлитов.

ANDY SUMMERS "PEGGY'S BLUE SKYLIGHT" 2001
[Limited Edition]

Сипатичный сольник гитариста, известного главным образом по группе Police(1978-1984). Первые несколько композиций исполнены в духе восьмидесятнического джаз-рока; показательно участие трубача Майкла Брекера, живого символа подобной музыки. Далее следует обращение постмодернистскому ретро-джазу 90-х. Еще более показательно привлечение музыкантов из группы Jazz Passengers: тут и тромбонист Кертис Фолкис, и саксофонист Рой Натансон и певица Дебора Харри, которая, похоже, начисто забыла о своем дискотечном прошлом и окончательно переквалифицировалась в джазовые дивы.
И вот отзвучали 11 треков. Неплохо: но как-то гладко и ни к чему обязывает. Не хватает истовости, не хватает обсессии, не хватает атмосферы. А между тем альбом Peggy's Blue Skylight посвящен Чарли Мингусу и все до единой композиции принадлежат перу этого великого музыканта, который остается одним из наиболее истовых персонажей в истории джаза; а уж по обсессии легко может быть признан абсолютным чемпионом на все времена.
Вспоминается, что, в 70-е годы ушлые продюсеры манипулировали больным и ослабевшим Мингусом, вынуждая его выступать с попсовыми интерпретациями собственной классики. Что же, история повторяется? Но мы не будем обвинять экс-гитариста Police, в том, что он своим трибьютом вторично распял Христа и расстрелял государя. Лучше прослушаем последнюю, 12-ю композицию. Саммерс исполняет ее совместно "Kronos Quartet'ом". Ее название - опяь -таки - показательно: Myself When I'm Real. Она снимает все вопросы и заставляет забыть о нелепых обвинениях. Потому что здесь все Real. Настоящий Мингус. Настоящий Кронос. Настоящий Саммерс.